ESTAMOS DE VOLTA!

LEONARDO DA VINCI

Para esse episódio trouxemos Ana Cristina Rodrigues (escritora e historiadora), Pablo de Assis (psicólogo e podcaster do Metacast e Nerdexpress) e Neto Zeppelin (Jerimum Beta) para falar um pouco sobre  o cenário cultural da Idade Média, as obras, os fatos e a importancia de Leonardo Da Vinci nos dias de hoje.

A locução dos fatos históricos ficou por conta de Priscila Perez.

Aproveitem o episódio!

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Morte de Leonardo da Vinci por Ingres

Desde jovem, o tcheco Svankmajer se mostrou habilidoso no manuseio e aptidão com fantoches. Estudou na Escola de Artes Aplicadas de Praga conseguindo seu primeiro trabalho com o cineasta Emil Radok com o filme Doutor Fausto. Sua experiência com o cinema em Stop-Motion decorreu por várias conveniências: através de sua mulher, Eva Švankmajerová, uma artista famosa por pinturas surrealistas e por sua entrada no Grupo de Surrealismo Tcheco.

Sua filmografia é composta por mais de 20 curta-metragens e 6 longa-metragens e todos eles lhe renderam um lugar de destaque entre os criadores e disseminadores da arte surrealista.

Seus filmes são considerados únicos em essência e gênero. Objetos e alimentos tomando vida e movimento em ambientes escuros e fechados são características constantes nos filmes de Svankmajer. Em seus filmes Alice e Fausto, as pessoas que contracenam no filme também passam pelo processo de Stop-Motion junto aos bonecos e objetos que também se movimentam no ambiente. Uma aposta arriscada para o cinema, dada a instabilidade de movimentos do personagem vivo.

As obras têm, em sua maioria, tramas sobre diversos problemas de natureza primárias do ser humano, como o romance infantil Alice, de Lewis Carrol, reproduzido e desconstruído por Jan Svankmajer. Falar de Stop-Motion é falar de Jan Svankmajer. Tanto que suas obras serviram de inspiração para outros cineastas renomados como Terry Gilliam, Timothy e Stephen Quay e Tim Burton.

por  Neto Zepellin do blog Jerimum Beta

Para saber mais sobre animação Stop-Motion, ouça o

PAPO DE ARTISTA #4 – STOP MOTION

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Nascido em 7 de Março de 1978 em Perth, Austrália, Ben Templesmith é dono de um estilo impressionante que remete sobretudo à temas ligados ao terror e ficção científica.

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Cursou a Curtin University of Technology e é formado em Design, mas seu trabalho ganhou visibilidade na área de quadrinhos, com 30 Dias de Noite e Singularidade 7,aliás, a primeira coisa que ele escreveu e ilustrou. Ele também trabalhou em Star Wars, Army of Darkness, Silent Hill, Criminal Macabre, Buffy: The Vampire Slayer e Doctor Who. Ele também trabalhou com ilustrações para bandas de música e concept art para filmes.

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Atualmente, Templesmith está trabalhando junto com o bem conhecido escritor britânico de quadrinhos Warren Ellis em Fell na Image Comics, como uma experiência de um formato novo de histórias em quadrinhos que será lançada nos mercados estadunidenses. Ele também está escrevendo e desenhando a sua própria série chamada de Wormwood: Gentleman Corpse na IDW Publishing e está há muito tempo associado a outros diversos projetos na editora.

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E segundo o blog oficial do FIQ, Ben Templesmith está confirmado para vir aqui ao Brasil esse ano para o sexto FIQ!

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Conheçam um pouco do trabalho em seu site oficial.

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Por Priscila Perez

Gustav Klimt foi um artista de quadros exuberantes que admirava as mulheres e acreditava no domínio feminino explorando suas figuras com sensualidade extrema chegando ao sexual. Evidenciou o feminino em grande parte de sua obra, sendo criticado por conservadores, incompreendido pelo erotismo que retratava e várias vezes sendo rotulado de pornográfico. Contudo foi o artista vienense mais querido e admirado do seu tempo.

Um artista de extrema importância que simboliza o estilo art nouveau da virada do século 19 para o século 20, assim como também simboliza os questionamentos e transformações humanas comportamentais na fase de transição dos séculos. Acreditava na libertação pela arte e era influenciado por Nietsche, Wagner e Schopenhauer. Nasceu em 1862 no subúrbio de Viena, Áustria, e foi o segundo de sete irmãos de uma família humilde.

Após concluir os estudos primários então com 14 anos foi admitido na Escola das Artes Decorativas, ligada ao Museu Austríaco Imperial e Real de Arte e Indústria de Viena, tendo sido seu trabalho de admissão um desenho de uma cabeça feminina, feito a partir de um molde de gesso.

Nesta escola, junto com seus irmãos Ernest e Georg, Klimt estudou desenho ornamental, teoria de projeções, perspectiva e teoria do estilo entre outros temas que acompanhavam em aulas práticas e foi o único aluno desta escola a ter uma grande carreira artística. Com seu irmão Ernest e seu amigo Frans Matsh, Klimt trabalhou nos vitrais da Igreja Votiva.

Por volta de 1880 Klimt, Ernest e Matsh fundaram a Companhia dos Artistas e através da empresa Fellner und Hellmer, especializada em construção de teatros, conseguiam trabalhos realizando painéis decorativos, entre eles a escadaria do Museu de Arte de Viena.  Nesta época entrava em cena na Europa a arte floral e seu estilo pessoal começava a surgir, quando em 1891 foi contratado para pintar um painel  no Teatro Imperial de Viena. Klimt neste painel retratou um imenso quadro da elite vienense desertando olhares e admiração. A partir desta pintura a ingressou no mundo cultural da burguesia e foi premiado ao final do trabalho com a Cruz de Mérito de Ouro (1888).

Com a morte de seu irmão no ano seguinte, Klimt fechou  a Companhia dos Artistas e passou a decorar casas particulares e fazer retratos ao mesmo tempo em que ingressava na Sociedade dos Artistas Vienenses, porém esta sociedade era composta por conservadores e ele não ficou por muito tempo.

Permaneceu assim até 1894, quando foi convidado pelo Ministro da Cultura, Von Hartel a pintar o Salão Nobre do Anfiteatro da Universidade de Viena. O tema a ele sugerido para os quadros era A Vitória da Luz sobre a Escuridão, para representar a Filosofia, a Medicina e a Jurisprudência. Klimt rejeitou o tema e abandonou seu estilo adotado até então, adotando o estilo art nouveau, provocando espanto entre os tradicionalistas.

Com estes painéis causou choque e os diretores e professores acharam uma provocação.

Klimt recebeu duras e impiedosas críticas por ter realizado uma obra “pessimista e com grande simbolismo erótico”. Criou polêmica ao pintar corpos femininos nus em poses consideradas obscenas para a época, com rostos e expressões com ar de lascívia e mórbida sensualidade, olhos semifechados e bocas entreabertas.

Ele, junto com seu novo grupo estavam entusiasmados com as novas propostas artísticas que surgiam na Europa e fundaram em 1897 o Secessão, que era um grupo de dissidentes que haviam rompido com os conservadores da Sociedade de Artistas Vienenses. Este grupo era liderado por Klimt e logo uniram-se a ele escritores, artistas e políticos de correntes de esquerda. Eles também editavam a revista “Ver Sacrum”, onde Klimt fez várias ilustrações. Em 1898 o Secessão realizou a primeira mostra e com a renda desta construíram o Palácio do Secessão, que funcionou como sede para o movimento.

A partir de 1902 ocorreram notáveis mudanças na linguagem visual de seus trabalhos, e o simbolismo tornou-se mais acentuado nas obras que ele realizava.

Em 1905 Klimt decide rescindir o contrato com Os Quadros da Faculdade” , devolve ao Estado os honorários pelo seu trabalho, deixa o Secessão e vai para Berlim participar da exposição da Aliança dos Artistas Alemães, onde recebe o Prêmio Villa Romana. Seus quadros A Medicina, A Filosofia e A Jurisprudência foram retomados pelo Estado e queimados depois, na Áustria.

Ele une-se aos pintores Egon Schiele e Oskar Kokoschka, também austríacos e viaja pela Europa, agora cada vez mais sua obra ganha personalidade e vai tornando-se especialista em pintar figuras femininas envoltas em ricas e grandiosas ornamentações, consagrando definitivamente seu estilo e dando início à fase mais reconhecida de sua carreira, chamado Fase Dourada. Nesta fase Klimt buscou inspiração na estética de arte bizantina, com formas geométricas, trabalhando bidimensionalidade, os mosaicos onde retratava o feminino de forma figuritivista e com muitos adornos. O realismo somente fica presente ao retratar rostos e mãos com perfeição. As roupas e fundos dos quadros são tomados por ricos ornamentos, arabescos, espirais e muitos e pequenos objetos trabalhados em infinitas formas e cores quentes, douradas e metálicas exuberantes. É a dualidade representada de várias maneiras, como a abstração e o realismo, a alegria e a tristeza, o domínio e a submissão, no mesmo quadro.

De muitos produzidos nesta época, dois quadros ganham grande importância, um deles é O Beijo, considerado como o auge do período, onde Klimt retrata Emilie, sua amante e ele mesmo em fusão de dois corpos em um beijo apaixonado e em Dánae, um quadro provocativo de uma mulher ruiva, adormecida entre moedas de ouro e espermatozóides.

Nos primeiros anos do século 20 a fase dourada vai dando espaço ao expressionismo. Em 1909 Klimt viaja para Paris entrando em contato com o fauvismo e com obras de Toulouse-Lautrec, criando agora cenários menos elaborados e fazendo cada vez menos uso de figuras geométricas e dos tons dourados. É quando pintou o quadro O Chapéu de Plumas Negras, A Vida e a Morte, A Virgem, e também quando há a inclusão de novos elementos em seus quadros como natureza e água. Klimt cria paisagens campestres e do Castelo Kammer, sua propriedade, o Castelo Kammer, nota-se também influência do cubismo.

Em 1910 participou da Bienal de Veneza tendo aprovação unânime e recebeu o prêmio da Exposição Internacional de Roma.

Obras mais eróticas são produzidas a partir deste momento pelo artista, são mais de 3000 desenhos de modelos nus que frequentavam seu ateliê e Klimt foi acusado de exagero erótico por Ornamentação e Crime, outros quadros dessa época são Masturbação Feminina, Adão e Eva e Mulher Sentada com as Coxas Abertas.

Com o começo da Primeira Guerra Mundial em 1914 e com o falecimento de sua mãe em 1915 acontece uma mudança em sua obra, Klimt adota a monocromia em suas paisagens tornando seus quadros mais sombrios.

Em 1916 participou de uma exposição do Secessão em Berlim com Egon Schiele e Kokoschka.

Finalmente em 1917 recebeu reconhecimento e foi admitido na Academia de Arte de Viena, sendo eleito membro honorário da entidade. Porém faleceu no ano seguinte de apoplexia, conhecida como AVC, e foi enterrado em Viena.

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Will Eisner foi um dos principais criadores de quadrinhos já conhecidos e o grande exemplo disso é seu personagem The Spirit.

Filho de judeus, Will Eisner nasceu em New York e durante sua juventude estudou no Instituto Dewitt Clinton no Bronx, onde colaborava com o amigo Bob Kane para a revista da escola. Na década de 30, já na revista WOW That a Magazine! Criou séries de aventuras como Captain Scott Dalton e The Flame – uma história de piratas, esta com o pseudônimo de “Erwin” e Harry Karry, sobre espionagem, onde assinava como Bill Rensie. Com o final da revista, Eisner fundou com Samuel Iger o Eisner-Iger Studio, onde participavam também Bob Kane e Jack Kirby.

Em 1940 separaram-se e Eisner sentindo necessidade de criar algo diferente foi para a Quality Comics Group, onde publicavam nos jornais de domingo histórias encartadas com 16 páginas sendo elas, Lady Luck, Mr. Mystic e The Spirit.

The Spirit chamou a atenção pelo seu conceito de arte e produção totalmente inovadores para a época. Nesta série Eisner utilizava efeitos de luz e sombra, enquadramentos até então somente utilizados no cinema e ousados roteiros e técnicas narrativas, elevando assim o nível e revolucionando a narrativa de arte sequencial das histórias em quadrinhos. Na fictícia Central City é contada a história de um herói sem super poderes, um detetive mascarado protegendo os habitantes, cercado de belas mulheres, dramas e comédias em um cenário onde é valorizado o aspecto humano e algumas vezes frágil dos personagens. Curioso também eram os logotipos que a cada episódio da série ele apresentava de formas diferentes e faziam parte do cenário da história.

De 1941 até 1942, The Spirit começou a ser publicado diariamente nos jornais, quando devido à Segunda Guerra Mundial, Eisner convocado para o exército, passou a produzir ilustrações e histórias reflexivas como No Coração da Tempestade e anos depois O Último Dia no Vietnã. Em 1945 ele retoma a série The Spirit, agora como tira dominical e se mantém até 1952, quando foi cancelada, sendo reconhecida até hoje como uma das mais importantes HQs.

Desde então até 1970 manteve-se envolvido em vinhetas humorísticas e ilustrações em sua empresa American Visual Corporation, ficando distante da criação de histórias até que Olaf Stoop, um editor holandês, reeditou The Spirit. Próximo novamente da criação Eisner em 1978 criou a graphic novel “Um Contrato com Deus”, quatro histórias em quadrinhos sobre a vida nos cortiços do Bronx durante o período da Grande Depressão.

Desta época até 2005 continuou criando graphic novels regularmente, abordando temas fundamentais para demonstrar que histórias em quadrinhos podem ir além do público infantil. Algumas destas obras são: Um Sinal do Espaço, O Sonhador, O Edifício, Pessoas Invisíveis e A Conspiração.

Em 1988 foi criado o prêmio Will Eisner Awards, um dos principais prêmios das HQs americanas em homenagem a este genial artista.

Eisner lecionou na School of Visual Arts, de NY e também escreveu títulos teóricos para a criação de HQs: Os Quadrinhos e a Arte Sequencial e a Narrativa Gráfica.

Em algumas ocasiões esteve no Brasil, em 1991 e 1994 no Rio de Janeiro e São Paulo respectivamente e em 2001 em Pernambuco, desta vez como convidado do Festival de Humor e Quadrinhos de Pernambuco. Em 1999 a Scriptorium e a TV Senac produziram o documentário Will Eisner: Profissão Cartunista.

Além dos quadrinhos Eisner produziu em 2001 o livro Shop Talk, que é uma coletânea de 250 páginas sobre entrevistas que ele realizou com diversos e renomados criadores, entre eles Gil Kane, Harvey Kurtzman, Joe Kubert, Jack Davis, Neal Adam, Jack Kirby, e outros. Essas entrevistas eram publicadas no final da década de 70 e início da década de 80 dentro da revista The Spirit.

Ele também adaptou clássicos da literatura para os quadrinhos, produzindo Moby Dick, Don Quixote, A Princesa e o Sapo, e em 2002 produziu Sundiata, o Leão de Mali, baseado em uma lenda popular africana. Sua última obra em quadrinhos, inacabada em função de seu falecimento foi o Protocolo dos Sábios de Sião, esta sobre judeus acusados de um plano secreto para dominar o mundo.

Em 2005, com 87 anos, Will Eisner faleceu na Flórida (USA) em decorrência de complicações de uma cirurgia no coração a que havia se submetido em dezembro de 2004.